Películas como Titanic, Aliens y Terminator surgen de la creatividad visual de James Cameron, quien revolucionó el mundo del cine al usar la tecnología como aliada de sus películas. 

En una entrevista, el director recordó su infancia donde las películas y el dibujo eran su entrada a mundos mágicos. A los nueve años, después de ver la «La Isla Misteriosa», recuerda tomar un lápiz, papel y comenzar a crear una versión de la misma película, pero con animales diferentes. 

Así nació un amor por el dibujo, que le permitió experimentar con diferentes estilos. De esta pasión por la ilustración, a los 19 años dibujó su primer Avatar; personaje de la película más taquillera en la historia del cine.

Después de 50 años en la industria cinematográfica, Cameron ha sido testigo del cambio generacional y revolución tecnológica, el cual ha impactado directamente en la forma que se hace cine.

Para el director, la inteligencia artificial representa una incógnita. Sin embargo, advierte sobre la importancia de no abusar de ella. Considera que es fundamental que nosotros, como creadores, seamos capaces de concebir nuestras propias historias y luego utilizar la tecnología para darles vida. Por ello, enfatiza en la necesidad de fomentar la creatividad y la introspección para generar nuevas historias y evitar estancarnos en lo conocido.

En cuanto a su tercera entrega de Avatar, Cameron revela que están en un momento de transición entre la lucha por la supervivencia de la Tierra y de Pandora. Están explorando nuevas culturas en el planeta y desarrollando la historia del villano. Además, anticipa la introducción de un nuevo personaje que jugará un papel fundamental en la trama. Destaca que la saga Avatar es un arco narrativo que abarca cinco películas, y que están justo en el punto medio. 

De momento, la fecha establecida para su estreno, será en las navidades del 2025. 

Adaptado AFP

Si hay algo que la inteligencia artificial no es capaz de replicar, es la conciencia humana, aquella que nos permite crear piezas artísticas capaces de conectar con miles de personas. 

Sin embargo, las inteligencias en el mercado, si están siendo capaces de replicar lo que el humano ha hecho, gracias a la masiva información disponible en internet.

Ante la amenaza de que estas herramientas, lleguen a reemplazar a un bajista o pianista, cientos de artistas y compositores estadounidenses, liderados por artistas de la talla de Smokey Robinson y Stevie Wonder, la banda Pearl Jam y Billie Eilish, realizaron un llamado para proteger la creatividad humana, aquella que se ve “atacada” por la Inteligencia Artificial.

«Debemos protegernos contra el uso predatorio de la IA para robar voces y retratos de artistas profesionales, violar los derechos de los creadores y destruir el ecosistema musical», declaro en una carta la organización sin fines de lucro Artist Rights Alliance. 

La principal preocupación, es la falta de transparencia en cuanto a la información que recopila la IA, ya que puede estar atentando contra la ley de derechos de autor, lo cual afecta directamente al artista por los fraudes a sus obras. 

Se pretende hacer un llamado a todas las plataformas de música digital y servicios basados ​​en música con el fin de no desarrollar ni implementar tecnología que genere música mediante Inteligencia Artificial. Argumentan que está atenta contra el arte humano de los compositores y artistas. 

Cantantes como Katy Perry, J Balvin, Peter Frampton y los herederos del icónico actor y cantante Frank Sinatra, se encuentran entre los firmantes de la carta. 

Ya existen precedentes de leyes que protejan a los artistas. El mes pasado en el estado de Tennessee, donde nació Elvis Presley, se aprobó la “Ley ELVIS” con el fin de proteger a los profesionales de la industria musical contra las amenazas de la IA. 

Leyes de este tipo, se están debatiendo, no solo en Estados Unidos, sino también en otros países donde el arte se puede ver reemplazado por las máquinas que nosotros hemos creado. Y aunque en varios aspectos de nuestra vida, nos resultan útiles, el arte es algo tan subjetivo y humano, que solo las personas son capaces de expresar. 

Adaptado AFP

Madonna cerrará su gira Celebration Tour, con un concierto gratuito el 4 de mayo en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro. 

El comunicado de la artista estadounidense afirma que será su «mayor» concierto «hasta el momento, un show inolvidable en uno de los escenarios más bellos del mundo». 

Después de 12 años, la ganadora de siete Grammys, regresa a Brasil. A sus 65 años, la cantante de «Material Girl» y «Crazy For You» realiza una gira mundial conmemorando sus 40 años de carrera musical con los clásicos que la llevaron a convertirse en la “Reina del Pop”

Tras realizar 78 presentaciones en 15 países diferentes, el cierre esperado llega a Brasil, siendo un final emotivo para la artista, que hace tan solo unos meses, se batía entre la vida y muerte por una infección en el tracto respiratorio.  

Los organizadores dijeron que el show se realizará “en agradecimiento” a los fans brasileños. Además, mencionó que el espectáculo será similar al del Réveillon, la tradicional fiesta con que los cariocas despiden el año en las playas de Río. Se calcula la presencia de, mínimo, un millón de personas. 

En otras ocasiones, ya se han juntado millones de asistentes, por ejemplo en 2006, un show de los Rolling Stones en Copacabana reunió entre 1,2 y 1,5 millones de personas. 

De momento la gira Celebration Tour sigue dando pasos por Norteamérica. Las próximas presentaciones serán en abril con tres shows en Miami y cinco en el Palacio de los Deportes en Ciudad de México. 

Adaptado AFP

En su más básica expresión, el arte busca emocionar, cuestionar y reflexionar, algo que el artista Chavis Marmol logra en su particular obra, ejecutada la anterior semana en Ciudad de México, cuando una escultura de nueve toneladas aplasto un Tesla 3 valorado en  $40.000 dólares. 

Desde ese momento, la obra se convirtió en tema candente en las redes sociales, volviéndose viral de inmediato, algo que el artista anticipaba, razón por la cual nunca la anunció; fueron los transeúntes quienes empezaron a especular sobre el significado de la obra.

«Mi intención era crear una pieza para ‘trolear’ a Elon Musk», mencionó el artista, quien nunca ha tenido un automóvil y se desplaza en bicicleta, pero se dio el lujo de dejar caer con grúas la enorme escultura sobre un Tesla.

La cabeza, esculpida por el propio artista, se inspira en la cultura Olmeca, una de las primeras civilizaciones mesoamericanas con 3.000 años de antigüedad. Para él, esto representa el poder de la cultura, que considera más impresionante que cualquier tecnología.

La obra se dio en colaboración con el hotel Colima 71, que fusiona sus servicios hoteleros con el arte. Este se encuentra ubicado en el barrio La Roma. donde se encuentra el auto aplastado, el cual fue donado en anonimato.  El escultor expresó que no le importaba ver cómo se destruyen $40.000 dólares porque «no era su dinero». «Esa es la maravilla del arte, te permite hacer estas barbaridades».

A pesar de las críticas que ha recibido por el sector más conservador, lo cierto es que nadie tiene la definición perfecta de lo que “es arte” sin embargo tenemos estándares básicos con los que podemos clasificar las miles de obras que existen en el mundo. En este caso, esculpir una cabeza inspirada en la cultura Olmeca ya nos brinda un acercamiento artístico, pero el mensaje se potencia con la puesta en escena, en este caso, la destrucción de un Tesla, símbolo del capitalismo. Se crea así una obra con un concepto claro en torno a la importancia de la cultura. Además, otro pilar fundamental es la conversación generada por los miles de usuarios que presenciaron la obra. Este tipo de reacciones indican que la obra, en su singularidad, es capaz de generar “ese algo” en las personas. 

Adaptado AFP. 

El arte cobra otro sentido cuando las mujeres toman el escenario. Mayuko Kashiwazaki, adornada con su vestimenta de kimono, irradia gracia mientras danza en el papel principal de una obra de teatro japonés Noh, donde la mayoría de los artistas son mujeres.

Siendo un estilo teatral que data del siglo VIII, el Noh, declarado por la Unesco como “Patrimonio cultural inmaterial”, se ha convertido en parte de la cultura artística de Japón. Sus trajes elaborados y máscaras confeccionadas a mano demuestran  que todo el proceso detrás de la obra, implica un contacto íntimo del ser humano con las telas y los materiales, que se transformaran en su piel durante el show.  

En un país como Japón, donde el arte del Noh perdura a lo largo del tiempo, compitiendo con clásicos como la lucha de Sumo, un deporte predominantemente masculino, el hecho de que las mujeres están emergiendo en este escenario es un testimonio de sus habilidades y de su lucha por encontrar su lugar en una sociedad históricamente no igualitaria.

Actualmente las mujeres representan solo el 15% de los 1.039 actores y músicos registrados con la Asociación de Artistas Nogaku. Y sus oportunidades de aparecer en el escenario son «relativamente limitadas» para Kashiwazaki, quien es la protagonista en «Dojoji», un exitoso drama sobre la venganza de una mujer traicionada, evento que tuvo lugar en el Teatro Nacional Noh de Tokio.

Al acabar el Show, la artista se sintió emocionada aunque intrigada por el futuro del Noh, pues la esencia del arte se encuentra en las mujeres, sin embargo la ausencia de difusión artística y la falta de oportunidades han creado un “Círculo vicioso”. No obstante, mujeres como Kashiwazaki son la primera luz de esperanza, para la supervivencia del arte. 

Adaptado AFP

Las obras de arte más emblemáticas del mundo han resistido el paso del tiempo no solo por su valor artístico e histórico, sino también gracias al meticuloso cuidado proporcionado por expertos dedicados a la preservación del arte. 

El David de Miguel Ángel, una escultura que encarna la belleza y la masculinidad, requiere un mantenimiento periódico para proteger el mármol de cualquier tipo de suciedad.

La obra creada en 1504, encuentra su hogar en la Galería de la Academia de Florencia, en el corazón de Italia. Esta galería, con más de 150 años de historia, alberga varias obras del renombrado artista, incluyendo «Los esclavos», así como obras de otros artistas notables como «El Rapto de las Sabinas», de Juan de Bolonia.

La escultura surgió de la visión de un joven Miguel Ángel, quien, a los 29 años, vio en un bloque de mármol la oportunidad de crear una obra maestra. Tras tres años de dedicación esculpiendo y puliendo, dio vida a un David de cinco metros, capturando la tensión muscular, la determinación y la confianza del héroe en el momento crucial antes de su enfrentamiento con Goliat.

Para su conservación, Eleonora Pucci, la restauradora personal de la obra, inspecciona de cerca la escultura desde un andamio, llevando a cabo un ritual esencial para mantener esta joya renacentista en óptimas condiciones. El proceso de limpieza comienza con el uso de una aspiradora portátil para desempolvar el coloso de mármol, seguido por un cepillado con cerdas suaves.

Cecilie Hollberg, directora del museo, señala la importancia de este mantenimiento regular, destacando que una estatua que no se limpia adecuadamente puede acumular polvo y perder su esplendor.

Mantener el esplendor que caracteriza a la obra es esencial para apreciar a profundidad su belleza, aquella que anualmente atrae a más de 2 millones de visitantes.

Adaptado de AFP.

Las exposiciones de arte están experimentando una evolución constante, dejando un legado duradero tanto para los artistas como para sus obras, aquellas que han resistido el paso del tiempo. Tradicionalmente, visitar un museo ha sido una experiencia gratificante para los amantes del arte, pero en la era digital, también se ha logrado cautivar a un nuevo público joven.

Una destacada muestra llevada a cabo en el Museo de Orsay en París, que se centró en los últimos meses de vida y creaciones del pintor Vincent Van Gogh, es un claro ejemplo de éxito. Esta exposición ha recibido un amplio respaldo, atrayendo a más de 794,000 visitantes, estableciendo así un récord histórico.

La exposición «Van Gogh en Auvers-sur-Oise, los últimos meses», que estuvo abierta desde el 3 de octubre de 2023 hasta el 4 de febrero de 2024, registró una impresionante cifra diaria de 7,181 visitantes, según lo informado por el museo en un comunicado.

El comunicado también destacó que estas cifras de asistencia son las más altas registradas desde la apertura del museo en 1986, superando a otras exposiciones notables como la dedicada al pintor Edvard Munch en 2022, que recibió 724,414 visitantes, y la exposición sobre Pablo Picasso en 2018, que atrajo a 670,667 visitantes.

Vale la pena recordar que Van Gogh pasó sus últimos meses de vida en la localidad de Auvers-sur-Oise, cerca de París, antes de suicidarse el 27 de julio de 1890, a la edad de 37 años. Durante este período, produjo un impresionante total de 74 cuadros en tan solo 70 días, incluido el famoso retrato de su amigo y protector, «El doctor Paul Gachet», que se ha convertido en una de sus obras más reconocidas.

Adaptado de AFP.